jueves, 21 de octubre de 2010

Helmut Newton - A gun for hire

(Publicado originalmente en http://www.tempusloquendi.com)




Más allá del escándalo, la ironia, la erótica y la trasgresión; Helmut Newton es un clásico que logró interpretar su tiempo con la perspectiva necesaria para mostrárnoslo de una manera distinta, es decir, artísticamente, a través de una expresión contundentemente moderna.


En este enlace coloqué una charla que dicté hoy: Helmut Newton - A gun for hire.

miércoles, 25 de noviembre de 2009

HIROSHI SUGIMOTO

- Nació en Tokio en 1948.

- Se graduó en 1970 en La Universidad de Saint Paul, Tokio.

- Años mas tarde se muda a EEUU y estudia en el Centro de Arte de los Angeles.

- En 1974 se muda a NY.

- Después de llegar a NY, visita el Museo de Historia Natural, donde hizo un curioso descubrimiento: Los animales parecían falsos, pero si se miraban con un ojo cerrado y con la perspectiva adecuada parecían reales, las cámaras buscan siempre mostrarnos la realidad.

 

 

- Como lo influencio su paso por el California Conceptually Oriented Art Center a comienzo de los 70:

Dice q no era un estudiante muy serio, que el lo q quería era estar en California y para esto tenia q estudiar en algún lado para poder tener la visa y el Art Center era el mas fácil para ese entonces, así como la fotografía su carrera mas fácil.

Una vez que se muda a NY descubre el Arte Contemporáneo, el Minimalismo y Conceptualismo eran muy populares para ese entonces, así que para no seguir a los otros artistas decidió utilizar a la fotografía como un medio de expresión.

 

Algo acerca de la serie tomada en los teatros, finales de los 70:

La idea era fotografiar la duración completa de la película, se imagino q el resultado seria una pantalla completamente blanca, así que lo hizo para demostrar que su visión era la correcta. Por lo general un fotógrafo ve algo y trata de capturarlo, pero en su caso el lo ve en su mente y luego viene todo el proceso técnico de cómo hacerlo real.

Decidió tomar las fotos en teatros de 1920-1930, para que la gente no viera mi concepto solamente sino parte de la arquitectura.

Estos rectángulos blancos son parte de la influencia minimalista
Tuvo mucha influencia de Carl Andre y Dan Flavin (escultores minimalistas estado unidenses). Las formas mas sencillas tienen autoridad, como una luz blanca, la cosa esta en como fotografiamos esto? Se necesita un marco para poder hacerlo visible.

Estas fotografías son mucho más que una luz blanca, es el resultado de mucha información.

Trabajarlo en serie hace que sea agradable compararlo, esta brilla más q aquella.

Porque trabajar en serie, sabes cual será tu próximo trabajo o es retador encontrarlo:

Se plantea las reglas básicas para su trabajo pero siempre surgen cosas inesperadas, es una mezcla.

Los teatros eran casi todo americanos excepto dos tomados recientemente el Milano y otro en Osaka, este ultimo es muy sencillo, con este pudo capturar lo que quería su esencia minimalista, una pantalla blanca con un borde negro.

Comenta que hace 25 años no tenia la misma seguridad que ahora.

En oportunidades le dicen en cual es el teatro que quieren que trabaje.


 

Serie de los Budhas:

Hecha en Kyoto, Japón en un templo budhista.

Le tomo 7 años conseguir el permiso para poder fotografiar aquí, es un tesoro nacional.

Es un concepto parecido a “Seascapes”, contraste y similitud.
Las figuras tienen pocas diferencias, lo que quiero es que la gente se enfoque en esas diferencias.




La arquitectura moderna:

Comenzó en 1997.

Le pareció interesante fotografiar la arquitectura del S20 fuera de foco, trata de tener la imagen de lo que visualizaba el arquitecto antes de construir la estructura, poder llegar a la visión original.
Todos los errores desaparecen, hay muchas sombras.

Si se termina su construcción con éxito la imagen permanecerá con fuerza aun estando fuera de foco.

De nuevo un acercamiento al minimalismo, quitando los detalles pero dejando una fuerte imagen.



 

Seascapes:

Arranco en 1980.

Lo trabajo en paralelo con los teatros.

Primero se llamo “Time exposed”, el tiempo se revela en el mar.

Comenzó a pensar en los seascapes luego de preguntarse cuál seria la escena que menos cambia en la tierra.

Los Seascapes son el paisaje q podríamos compartir con los habitantes mas antiguos de la tierra
Se cree que las imágenes se lograron con largas exposiciones y no fue así, mas bien todo lo contrario, fueron exposiciones rápidas para poder capturara el movimiento de las olas.

“Nunca me canso de los Seascapes, mientras mas los hago mas los aprecio.”

Esto se debe a las variaciones, siempre surge una nueva manera de verlos.
Cada día es diferente, cada minuto. Se queda seis días en el mismo lugar y lo disfruta, ya que por lo general son lugares poco poblados, sin llamadas ni estrés...

Pensó que el trabajo duraría de 2 a 3 años, pero se sorprendió, se sentía como un científico a quien le daban unos de sus primeros telescopios y luego le dieran uno mas potente, veía mas.

A principio de los 90 comenzo a fotografiarlos de noche, no fue una decisión planificada, simplemente oscureció.

Solía tardar 8h, ahora a veces son 24.

Dice que temprano por la mañana es bellísimo y que de noche a la luz de la luna muy romántico, así que se ha convertido en un “Sleepless photographer”.


La portada del último disco de U2, :¨No Line In The Horizon¨, es una foto de esta serie:

u2-no-line-on-the-horizon-731909.jpg

 

 

 

 

 





 

 

 

 

 

martes, 3 de noviembre de 2009

Hiroshi Sugimoto








Tiempo, vacío y luz.

Silentes y difuminadas, siempre en blanco y negro donde la noción del tiempo es inherente a su obra. Observamos delicados paisajes marinos, teatros, íconos de la arquitectura y museos de cera.
Sublime es su serie de mares “eternos”, que intentan capturar la visión del horizonte como vista desde el inicio de los tiempos, un paisaje inalterable como si nada hubiese cambiado. Agua, aire y luz como iniciadores del origen de la vida. Son composiciones simples, se divide el encuadre en dos planos con la línea del horizonte, o se llenan de luz. Hay un predominio total de la sensibilidad plástica por encima de cualquier descriptivismo.
El juego entre realidad y su representación se hace presente, tanto en su serie de Dioramas como en la de Museo de Cera, los personajes representados son ya una representación, no son reales, pertenecen además a una era pre-fotográfica sin embargo, a través de la cámara quedan atrapados en una visión de realidad y en las propias palabras de Sugimoto, leemos: “Había encontrado la manera de ver el mundo como lo hace una cámara, por muy falso que sea el sujeto, una vez fotografiado, se ve real”.
Particularmente, percibo en la obra de Sugimoto la poética del suprematismo o el mundo de la “no representación”, especialmente en las series de mares y teatros. Por un lado vemos esas formas abstractas, puras en algunos casos con ciertas diagonales en el espacio, como se perciben en algunas fotografías de los teatros. En esta serie, la captación del instante, característica de la fotografía, se altera al tratar de captar el paso del tiempo –que es la esencia del cine y su imagen en movimiento-. Él deja abierto el obturador con la máxima apertura, durante todo el transcurso que dura la proyección de la película. Todo lo que en ella ha sucedido al recoger el brillo de la imagen, sin percibir el movimiento, queda grabado como una pantalla blanca, de luz brillante que inunda toda la sala haciendo evidente las formas y detalles del teatro. En algunas de ellas vemos por ejemplo, el trayecto de los aviones, el tiempo como lo experimentamos, deja su huella en el instante. Así en los teatros logra capturar la esencia de la fotografía y el cine, luz, instante y movimiento. Sencillez, silencio e imaginación explotan.
Hitos de la arquitectura, ¿maquetas o juguetes? Fotografías de edificios reales, íconos arquitectónicos aislados de su contexto. Imágenes desenfocadas y vaporosas que parecen más un sueño, o el recuerdo de una realidad conocida, quizás algo olvidada o imaginada en la memoria. Al desenfocarlas hace que la relación forma y luz deje al objeto construido en un umbral de ambigüedad, con una atmósfera que les proporciona cierto sentido pictórico, es además especialmente, una hermosa manera de intentar fotografiar el vacío. El efecto de difuminación en esta serie la encuentro muy parecida a lo que le ocurre a los rostros de personas queridas que ya hace mucho que no vemos, la memoria aún las captura, pero de algún modo, el tiempo y la distancia, las va desdibujando, dejándonos sólo una bruma de aquello que en algún momento fue tan cercano y conocido.
Los invito a ver su trabajo: http://www.sugimotohiroshi.com/

domingo, 1 de noviembre de 2009

Pinhole photography




Algunos manifestaron su interés por la fotografía con cámaras pinhole. Este artículo es interesante : http://kosara.net/photo/pinhole.html y el website http://www.pinholephotography.org/ es otro recurso muy útil.

sábado, 24 de octubre de 2009

Photographer of the day

Para no perder el rastro de los fotógrafos que envío día a día por Twitter, he creado el blog http://photographerotd.blogspot.com/ y como primera entrada coloqué la lista de los fotógrafos que he enviado a la fecha.

Por razones técnicas en Twitter el hashtag ahora será #PhotographerOTD

miércoles, 21 de octubre de 2009

Bienvenidos a los cursantes de la segunda edición del curso

Les recuerdo que este espacio es para en libre intercambio de ideas e información.

Revísenlo desde el comienzo, vayan a la entradas más antiguas para que puedan entrar en la secuencia que ya hemos navegado en la edición anterior. De eso se trata, de mantener la tradición.

jueves, 3 de septiembre de 2009